Feeds:
Posts
Comments

Posts Tagged ‘Shakespeare’

När Strindberg i Tjänstekvinnans son ville visa hur undermålig undervisningen vid Uppsala universitet var lät han en av de föreläsningar som alter egot Johan bevistade vara de som fördes i engelska av en ung adjunkt, vilken läste och kommenterade Shakespeares Henrik VIII i en takt som gjorde att det skulle ta tio år att arbeta sig genom skådespelet; anledningen till att denna pjäs valdes torde inte enbart vara att den inte skrivits i sin helhet av Shakespeare (vilket började ifrågasättas ungefär vid Strindbergs födelse), utan tillsammans med John Fletcher, utan snarare för att den är en av de mer obetydliga pjäser som kom av hans penna; förvisso inte helt omöjlig i Storbritannien, men sällan uppskattad på andra platser.

Det är inte svårt att se varför: den ostentativa huvudpersonen är långa perioder fjärran från handlingen, som mer tycks handla om de olycksöden som drabbade tre personer i hans närhet (lord Buckingham, Katarina av Aragonien, och Thomas Wolsey). Det första av dessa fall framdrivs vad det verkar främst av Wolsey, i det andra samverkar Wolsey med Henriks vilja att skiljas och upphöja Anne Boleyn, men det är först i det tredje, då kungen förlorat förtroendet för Wolsey och driver fram hans fall efter att ha fått komprometterande dokument i sin hand som han själv tycks själv börja agera. I den femte akten ingriper han till sist själv för att förhindra ett fjärde fall, när hans nya ärkebiskop Thomas Cranmer är illa ute. Mest intressanta av de personer som uppträder är Katarina, som förutom att hon skildras som en god drottning också är rörande i sin kamp för att inte förskjutas, och Wolsey, som tyvärr är lite för outvecklad men annars kunnat bli en riktigt bra skurk, även medräknat hans omvändelse under galgen.

Även om handlingen utspelas under den tidigaste delen av reformationen i England så får de religiösa konflikterna spela en ganska undanskymd roll: Wolsey ogillar Anne Boleyn inte bara för att hon är protestantiskt lagd, utan även för att han vill att kungen skall gifta sig med en fransk prinsessa, och Henrik tycks ogilla att påvens legater skall ha så mycket makt. Det är först i det sista partiet, där Cranmer anklagas inför kronrådet, som frågan riktigt hamnar i förgrunden; Cranmer framstår där i kontrast till den stolte, härsklystne Wolsey som en mild och ödmjuk prästman.

Det är inte någon omöjlig pjäs (om inte annat finns kan kostymfetischister få sitt lystmäte), men heller knappast något lysande. Att pjäsen fått stå tillbaka för annat från författaren är helt i sin ordning.

Read Full Post »

Titeln på Shakespeares The comedy of errors måste vara den mest intetsägande som tänkas kan, i alla fall om man utgår från modern förståelse: hur tusan skriver man effektiv komedi om det inte får förekomma några misstag i handlingen? Förvisso är de här ovanligt många, men i gengäld håller de sig till en enda typ: förväxlingar av de två tvillingparen Antipholus och Antipholus samt Dromio och Dromio, vilka separerades i späd ålder men som nu alla hamnat i Efesus: en Antipholus och en Dromio är bosatta där, de andra passerar där i sitt sökande efter dem (vilket gör hela handlingen lite extra märklig: de är alltså ute efter att söka sina tvillingar, men förstår inte ett smack när de möter en massa människor som tror sig känna igen dem).

Pjäsen sägs ofta höra till Shakespeares svagare, och har ofta därför antagits vara en av hans allra första, speciellt som den är ovanligt kort, tagit mycket av sitt material från Plautus pjäser Menaechmi och Amphitruo, och dessutom helt respekterar de klassiska enheterna: det mesta av handlingen handlar just om förväxlingarna mellan bröderna, med ramberättelsen som skisserades ovan, samtidigt som också fadern söker dem och deras moder. Det hela är alltså betydligt mer renodlat komiskt, med endast lite romantik och romans jämfört med det mesta annat Shakespeare skrivit.

Oavsett om man vill gå med på redaktörens argumentering för att pjäsen bör dateras till 1594 eller inte bör den dock vara äldre än Romeo och Julia, vilket är lite synd med tanke på första halvan av raden »Dromio, thou Dromio, thou snail, thou slug thou sot« – vilken i och för sig är trevlig som den är, även om man till slut har svårt att stå ut med de eviga slag som de båda Dromio får ta emot från sina herrar. Trevlig är förresten också historien med Adriana, hustru till den efesiske Antipholus, som trots sin svartsjuka och hans skenbara galenskap hela tiden vill hålla fast vid sin man.

Det är lätt att förstå varför pjäsen inte riktigt fått samma status som övrigt från Shakespeares skrivbord: spring i dörrar och förväxlingar må vara roligt, men för herrar (och senare damer) litteraturkritiker är den robusta enkelheten knappast det mest spännande att befatta sig med, hur rolig den än kan göras (också utan att man låter den urarta helt i fars, även om det varit närliggande). Trevlig är den, men det är inte min favorit.

Read Full Post »

Alltså, All’s well that ends well är bara en könsomkastning bort från att vara lika obehaglig som The taming of the shrew: huvudpersonens Helens försök att vinna den flyende Bertram involverar bland annat att hon lurar honom att gå till sängs med henne – mycket obehagligt, och det är lite så man undrar varför hon fortsätter bry sig.

Men låt oss ta det från början: Helen botar franske kungen från en fistel, och som sin lön ber hon honom om Bertrams hand (han är som faderslös kunglig skyddsling). Denne flyr innan äktenskapets fullbordas (så långt kan man sympatisera med honom), till Florens för att delta i ett krig mot Siena, och skickar henne ett brev som säger att han inte vill ha henne förrän hon fått hans arvering och fött hans barn. Med sig har han skrythalsen Paroles, som är den som står för huvuddelen av den låga humorn.

I Florens försöker han dock förföra Diana, och lyckas till slut genom att ge henne sin ring. Fast när han skall låta henne dö jungfrudöden (detta begrepp verkar ha gått kommentatorn av min utgåva förbi, men Shakespeare tycks använda det två gånger) så har Helen tagit hennes plats. Samtidigt har Helen spridit ett rykte att hon dött på pilgrimsfärd till Jakobs grav i Santiago de Compostela (det hela är lite märkligt, eftersom Florens är något av en omväg om man skall till Santiago från Frankrike), så när Bertram återvänder hem försöker han fria till en ny hustru – med en ring han fått av »Diana«. Har man haft någon sympati för honom förut så försvinner den nu, men Helen dyker ändå upp och förklarar vad som hänt, och att hon fortfarande vill ha honom.

Ursprungligen är det en Boccacciohistoria, men där denne berättar den som en komedi blir det hos Shakespeare ett av hans problemskådespel: det är svårt att ta episoden med sängkammarbytet som rolig, och Bertram tycks aldrig få en riktig chans att bättra sig. Helens beteende kan väl i stort förklaras som en kärlekssjuk tonårings, men är ändå rätt obehagligt: begår hon inte vad som idag skulle ses som våldtäkt?

Nå, det mesta annat är vad man väntar sig av Shakespeare: språk, handling, snuskig humor, en hånfull clown. Långt från hans trevligaste, men bra.

Read Full Post »

Shakespeares Sonetter sönderfaller i trenne distinkta partier: den första, där en ung adelsman uppmanas att sluta spilla sin egen säd på marken och istället finna en ung jungfru som kan vara behjälplig i att bevara hans skönhet för eftervärlden, den andra, där diktarjagets kärlek till denne vackre yngling skildras, inklusive svartsjukeepisoder och kärlekslågans falnande, och slutligen affären med den mörka damen, erotiskt opålitlig men svår att motstå.

Ungefär så långt kan man tämligen lätt komma även vid läsning på engelska; ja, det är möjligt att även uppskatta några av sonetterna och deras lekar med metaforer och ord – men såsom varandes ett högst bundet format används det även okonventionella vändningar och ordval på ett sätt som gör det svårläst, speciellt när det gäller dubbeltydigheter som annars inte lever idag. Just därför är det svårt att tänka sig ett bättre sätt att ta del av magin än det som Eva Ström valt för sin översättning: först originalet, därefter hennes tolkning, och slutligen en kommentar – vilket gör det uppenbart att man inte kan se hälften av vad som pågår om man försöker på egen hand (och här talar erfarenheten).

Själva dikterna formar som sagt berättelsen om två förälskelser, där den fagre ynglingens är den klart dominerande, med dess många i efterhand ironiska kommentarer om hur skalden med sina dikter reser monument varaktigare än koppar – men ack! monument där den avtecknades namn utelämnas. Skoj för litteraturvetare, som har arbete till döddagar med att komma med teori och sabla ner andras gissningar, inte riktigt lika skoj för oss andra (även om akademiska strider kan vara ett nog så gott skådespel på lite avstånd). Detta tema ingår även i vad som kan vara världslitteraturens mest älskade sonett, vilken även kan få tjäna som exempel på Ströms översättarkonst:

Ska jag likna dig vid en sommardag?
Du är mer ljuvlig, mer mild och ljum,
majs skira knoppar slits av vindens tag
och sommarn stänger snabbt sitt gröna rum.
För hett ibland kan himlens öga skina
och ofta skymd är hennes gyllne hy,
allt som är vackert skall en gång förtvina,
av ödet ändras, allt är dömt att fly.
Men din sommars skönhet vissnar ej,
förlorar inte glansen som du bär
och dödens skryt kan aldrig träffa dig
när evigt rader i min dikt du är.
Så länge män kan andas, ögon se
ska detta leva kvar och liv dig ge.

Ofta ligger hon förvisso något längre ifrån originalet, men takten och rimmen sitter där de skall. Detta är ett alldeles fantastiskt sätt att möta en av historiens främsta, med i alla fall några av historiens slöjor lyfta.

Read Full Post »

The Merry Wives of Windsor står ut bland Shakespeares övriga produktion på ett par olika sätt: det är den enda pjäs där personer ur hans historiespel hamnat i en annan kontext, det är den enda komedin som utspelas i det samtida England och i borgerlig miljö, och pjäsen sägs ha tillkommit då drottning Elisabeth ville se Falstaff som älskare.

Det är ett elegant hopkommet litet drama: förutom Falstaffs försök att förföra titelns fruar (som inte alls är intresserade av den gamle tjockisen) finns även en liten bihandling om en av dessas döttrar, och hur hon uppvaktas av en smått enfaldig ung man, en eldfängd fransk läkare samt den unge man hon egentligen älskar (och som bidrar med den enda uttryckliga referensen till pjäserna om Henrik V): denna bihandling tar inte mycket plats men döljer vissa passager som annars skulle vara svåra att förklara, och ger dessutom möjlighet för Shakespeare att visa sin förmåga att strukturera ett drama så att varje gestalt har flera uppgifter i handlingen.

Med en huvudhandling som väsentligen handlar om otrohet – även om ingen av de båda fruarna är det minsta begivna på detta så är i alla fall en av de äkta makarna över öronen svartsjuk, vilket ger mycket av handlingens komik – så är detta naturligtvis ett tillfälle för Shakespeare att excellera i de för en nutida läsare så tröttsamma skämten om att sätta horn på någon: i den bisarra slutakten sker detta också fysiskt, då Falstaff på något sätt förmåtts klä ut sig till någon slags skogsande för ett kärleksmöte i skogen, varpå stadens ungar kommer in och spelar älvor och plågar den gamle skojaren innan det avslöjas att målen för hans ävlan bara varit ute efter att roa sig på hans bekostnad. Förutom befängdheten i idén med älvor (och Falstaff erkänner själv hur dum han var som gick på det) så känns ändå slutet fel: låt vara att man kan driva med Falstaff genom att placera honom i en situation han snabbt måste fly ur, men så djävla dum att han går utklädd till någon slags engelsk Pan för att möta sin presumtiva älskarinna kan han inte gärna vara.

Förutom denna avslutning är det dock en alldeles förtjusande pjäs, fylld med ordlekar och farsartade vändningar, dessutom med ett slut av det ljusare slaget; förutom för de besvikna älskarna finns det inte många moln på himlen när allt är sagt och gjort.

Read Full Post »

Om första delen av Henry IV inte hade mycket med titelpersonen att göra har andra delen än mindre; kungen är endast med i två scener, och det uppror mot honom som utgör det mesta av den mer upphöjda handlingen känns aldrig riktigt allvarligt. Något bättre är det med scenen där han återigen försonas med sonen som skall bli Henrik V, men även detta är lite av en repris. Nej, detta är i än högre grad Falstaffs pjäs: det är Falstaffs rucklande, fruntimmersaffärer, martialiska ära och penningbekymmer som håller igång pjäsen.

Visst finns det en del annat skoj och trevligt också: de vanliga shakespearemonologerna (»Ryktet« får hålla en prolog och framstår som en fin teaterskurk, men dyker sedan inte upp igen), och en hel del maktpolitik och poesi, men det är Falstaff som bär upp det hela: hal och slagfärdig, tjock och fryntlig. Han lyckas bland annat gå från att hålla på att hamna framför skranket på grund av en skuld efter att ha levt på krita hos den ständigt vokabulärt förvirrade madam Rapp, som han inte bara lyckas prata till att glömma skulden utan även låna honom pengar.

Nåväl, även rucklande gamla riddare måste till slut se slutet på sin lycka, och Falstaff gör det på ett ovanligt abrupt sätt: han har fått reda på att hans gamle vän prinsen uppstigit på tronen, och tar sig därför till London för att kunna sola sig i glansen, bara för att finna att den nye kungen inte är det minsta intresserad av sina gamla supbröder, och till och med kastar honom i finkan. Fast å andra sidan har han ju nyligen lyckats låna upp 1000 pund, så det kanske inte skall gå någon större nöd på den gamle lögnhalsen.

Read Full Post »

Även om det inte är mycket att formellt invända mot att Shakespeare kallat ett av sina historiedramer för Henrik IV (del I) när det faktiskt utspelas under dennes regering och slutscenen är krossandet av 1403 års uppror vid Shrewsbury, så är det faktiskt inte för denne i pjäsen mestadels osynlige monark, ej heller dennes politiska motståndare – även om de på det hela taget är rätt intressanta personer de med –, som man vill läsa pjäsen: nej, Henry IV är först och främst pjäsen om den unge prins »Hal« och den magnifike Falstaff.

Vid pjäsens början är Prins Hal en vild ung man begiven på dålighetsliv, i synnerhet tillsammans med den aldrig svarslöse Falstaff – en ständig skämtare av bästa Shakespearemärke – de går på rövarjakt, hänger på tavernor, dricker öl, skämtar, och försöker i möjligaste mån undslippa allt ansvar. Falstaff, gammal, korpulent, feg, men alltid underhållande och sällan utan ett trick eller ett skämt för att ta sig ur den knipa som det förra satte honom i, är knappast lämpligt sällskap för en ung tronarvinge, men så länge stillheten råder kan nöjena fortgå.

Uppror är dock på gång: walesarna rör på sig under Owen Glendower, familjen Percy anser sig förbigångna av sin gamla allierade Henrik, och skottarna är alltid beredda att blanda sig i Englands förhållanden. Snart måste Hal lämna tavernan för att på slagfältet möta den jämnårige, men långt mer ärohöljde, Hotspur.

Som sagt, handling finns det visserligen, men nöjet ligger på ett helt annat område: Falstaff, omöjlig att vinna över med tungans vapen för andra än Hal, en pultron, en fuskare och rufflare, fullständigt korrupt, men ändå oemotståndlig på ett sätt som de dygdiga aldrig kan bli. Att han här är den som myntar att försiktighet är den bättre delen av tapperhet (i övrigt är detta inte en av de Shakespearepjäser som bjuder på ett överdåd av citat) är helt i sin ordning, liksom att han när det hela är över tycks ha landat på benen i allas ögon utom Hals. Det skall bli skoj att se vad det blir av honom i de senare pjäser han förekommer i.

Read Full Post »

Kipling skaldade som bekant att

OH, East is East, and West is West, and never the twain shall meet,

Temat är gammalt, och redan de gamla grekerna försökte i viss mån att kontrastera sig som enkla män i kontrast med de dekadenta perserna. Romarna var ännu mer förtjusta i temat. Det är alltså inte att förundras över att det återkommer i berättelsen om moralisten Octavianus Caesars seger över den hedonistiske Marcus Antonius, som övergett de romerska dygderna till förmån för ett lättningliv med den förtrollande Kleopatra, och att det därmed kan läsas som ett grundtema i Shakespeares Antony and Cleopatra.

Handlingen lär inte förvåna den i romersk historia bevandrade särskilt mycket, förutom i vissa detaljer i kronologin: det börjar i Alexandria, där Antonius festar runt med den fagra Kleopatra, oberörd av vad som sker borta i Rom, i alla fall tills han får beskedet att hans hustru Fulvia är död. Då får han plötsligt bråttom hem för att vara med och möta hotet från Pompejus tillsammans med de två övriga triumvirerna, Octavianus och Lepidus. Han och Octavianus kan dock inte med varandra, så för att stärka alliansen gifter han sig med Octavianus syster Octavia. Kleopatra i Alexandria blir inte glad när hon hör detta, och tar ut sin ilska på budbäraren. Antonius, Octavianus och Lepidus lyckas övertala Pompejus att lägga ner vapnen, och ställer till supfest. Sedan åker Antonius till Aten, och förhållandet med Octavianus förfaller snabbt, tills de rustar för krig. Antonius skickar Octavia för att försöka medla, men råkar åter in i Kleopatras garn. Så dags för slaget vid Actium, Kleopatras flykt, Antonius följande, och försoningen i Alexandria, dit Octavianus trupper snart nått, varefter sista striden står, de älskande tar självmord, och Octavianus får stå med den kalla segern och hålla tal över de båda.

Antony and Cleopatra är inte en av de stora citatgruvorna. Visst finns det fin retorik och några rader som återanvänds, men inte är det som Julius Caesar eller Hamlet. Det som utmärker pjäsen är istället Kleopatra: hennes humör, hennes förförelsekonst, hennes svek. Antonius är inte längre den store talaren eller stridsherren från Julius Caesar, utan en av kärlek förledd och makt berusad karl fast i hennes nät, som faller för hennes små konster. Liksom Julius Caesar fixerat bilden av tyrannens död, har Anotnius och Kleopatra bidragit till att  reduktionen av Kleopatra till kärleksgudinna, någon som endast har sängkammaren att erbjuda, inte en drottning som höll sig tjugo år på tronen, i en tid då hennes mäktigaste granne var mer volatil än någonsin. Följdriktligt är hon maktlös när tråkmånsen Octavianus står med segern, men kan i alla fall finna värdigheten i självmordet.

Annat intressant att notera är de ständiga scenbytena, fler än i någon annan Shakespearepjäs jag läst; ständigt nya scener, liksom lyckan ständigt växlar; ständigt förvänds planer och intentioner i dess motsats; ständigt skiftar lyckan, inte sällan på grund av Kleopatra. Till slut landar dock tärningarna, och alla intar de roller de skall ha till slutet: Octavianus är segrare, Antonius och Kleopatra de besegrade som endast har att välja mellan självmord och förnedring. Väst må stå med segern på scenen, men det är öst som förfört publiken.

Read Full Post »

Ibland tar historiska romaner kontrollen över verkligheten: fiktionen är såpass stark att den ersätter vetenskapen och rotar sig så fast att den är nästintill omöjlig att återföra till sin rätta plats. Så har till exempel Robin Hood-myten för alltid format bilderna av Rikard Lejonhjärta och Johan utan land, ja, hela medeltiden är väl någon slags blandning av Kung Arthur och jordätande bönder a la Monty Python, det svenska bondesamhället såg ut precis som Astrid Lindgren skildrade det, med lyckliga ungar som sprang omkring och hade roligt mest hela dagarna, och vi skall inte ens tala om indianer och kopojkar. Shakespeare är på detta område en av de främre: förutom att för alltid befästa bilden av Rikard III som puckelryggig skurk så är han också upphov till världens kanske mest kända citat som aldrig sades, titelrollen i Julius Cœsars sista ord: »Et tu, Brute«.

Titelroll, ja. Huvudroll är det svårt att kalla det: Caesar får inte mycket scentid – även om han totalt dominerar den han får, med sin fantastiska ovana att omtala sig själv som just »Caesar«, som när hans hustru Calpurnia oroar sig över de omen som plågat Rom natten till 15 mars (»Bevare the Ides of March.«), och ber honom att inte åka till senaten:

Caesar shall forth: the things that threatened me
Ne’er looked but on my back: when they shall see
The face of Caesar, they are vanished.

Och så där håller han på, på gränsen till det parodiska. Den andra roll som möjligen skulle kunna kallas huvudroll är Marcus Brutus, som är med hela skådespelet igenom, och som är den mest sympatiske av de sammansvurna (och kanske den person tillsammans med Caesar som visar upp minst antal obehagliga sidor på scenen), en nobel typ, som endast är med och mördar Caesar på grund av att han inte vill att Rom skall förlora sin »frihet« – en frihet som kan ifrågasättas, då den i stort sett endast utsträckte sig till friheten för aristokratin att fortsätta som de alltid gjort.

På det hela taget är Julius Cœsar, till skillnad från många andra Shakespearepjäser, befolkad med riktiga människor: här finns inga oförvitliga hjältar eller genomsvarta skurkar: alla, från Brutus till Marcus Antonius (hur tusan står engelsmän egentligen ut med att läsa om »Mark Antony«?) har både bättre och sämre sidor, och liksom i verkligheten kvarstår frågan om Caesar var en ond tyrann eller en relativt folklig autokrat. Möjligen beror detta på att han baserat pjäsen på skvallerbyttan Plutarkos, men han har bevisligen gjort i alla fall en ändring för att fördela odygderna lite jämnare.

Något bör definitivt också sägas om retoriken: förutom de tidigare nämnda  replikerna från Caesar förtjänar sannerligen Markus Antonius tal till det romerska folket – det som börjar »Friends, Romans, countrymen« – att tas upp. Situationen är svår: Markus Brutus har redan talat och uppviglat folket mot Caesars minne. Markus Antonius har dessutom tvingats lova att inte säga något ont om de sammansvurna. Ändå lyckas han snabbt och mästerligt att helt vända opinionen: han gör det genom att prisa Caesar, men hela tiden lägga in, som ett omkväde, rader i stil med:

Yet Brutus says he was ambitious:
And Brutus is an honorable man

Bonuspoäng för att han mot slutet av talet dessutom säger att han inte är en talare, och att Brutus, den oratorn, nog, om han vore i hans ställe, snart skulle anstifta upplopp, vilket naturligtvis blir resultatet. Så gör en verklig mästare.

Julius Cœsar är kanske inte en av de allra mest lysande av Shakespearepjäser; dess brist på tydligt ställningstagande gör att den ställer något högre krav än andra. Det är dock, enligt de flesta andra mått, en lysande pjäs, med i stort sett realistiska roller (undantag finns, när källmaterialet berättat om klassisk romersk förljugen stoicism), och några av de mest lysande monologer, dessutom utspridda på flera roller. Det är en pjäs som inte bör förbigås.

Read Full Post »

Av Shakespeares krönikespel är det bara Richard III som fått riktigt status som hörande till hans absolut främsta verk. Detta med all rätt, för även om till exempel Iago kan tävla med Richard i manipulationsförmåga, så är det nog ingen annan skurk som riktigt griper tag i, och behåller greppet om, publiken på samma sätt.

Det börjar redan i första akten, med Richards tal om hur »the winter of discontent« har övergått i sommar tack vare hans brors uppstigande på tronen. Richard är dock långt ifrån nöjd därmed: han är puckelrygg och oskön, och bestämmer sig därför att vara en äkta skurk. Den goda föresatsen håller han sig sedan till, och sviker och bedrar allt och alla: bröder, brorsöner, hustrur, gamla vänner, små hundar, ja allt han kan komma över, tills han står där vid målet: kungakronan. Det värsta är dock kanske inte sveken i sig, utan att även de som ser igenom hans lögner ändå inte kan motstå hans locktoner: makt lockar. Makt må dock kunna vinnas med svek, men här kan den inte behållas med det, och så fort kronan är på hans hjässa bryter upproret ut, lett av en viss walesisk ädling av huset Tudor…

Richard III är naturligtvis en djupt politiserad pjäs: den handlar ju trots allt i slutändan om den kung drottning Elisabets förfader gjort uppror mot, och då var det ju inte gärna möjligt att skriva honom som annat än skurk (att det material han baserade pjäsen på också var fientligt mot Richard hjälpte knappast) – men vilken skurk! han övertalar en kvinna som tidigare ville se honom död för att han varit inblandad i morden på hennes far och make att istället gifta sig med honom, han använder ordskämt, vränger ord, och är fullständigt magnifik. Kontrasten mot Richard II är slående: även där förekommer uppror, men trots att även det är lyckosamt fördöms det å det strängaste.

Nu är det inte bara på grund av huvudpersonen som Richard III ännu är spelbar: även strukturen är stark. Fokus ligger helt på Richards blodiga väg mot tronen och hans hastiga fall från den, och den binds även samman av de profetiska förbannelser som utslungas vid ett tidigt stadium, samt av de spöken som dyker upp på Bosworth Field för att sätta sig upp mot Richard, som för ett ögonblick överväger att fly men som visar sig vara en mot publiken ärlig skurk, och stupar där efter att ha utropat sitt behov av en häst.

Richard III är en moralitet om ondskans (o)förmåga. Huruvida man skall förfäras av dess korrumperande, oemotståndliga kraft eller glädjas åt dess obeständighet är upp till var och en. En bra pjäs är det dock oavsett.

Read Full Post »

Older Posts »